Harold Cohen sudah menjadi pelukis mapan ketika dia mulai bereksperimen dengan komputer pada akhir tahun 1960an. Saat itulah dia mulai membangun AARON, AI dasar yang dapat menggambar secara semi-otonom. Berbeda dengan generator gambar AI saat ini, yang membuat gambar berdasarkan analisis gambar nyata, gambar AARON hanya didasarkan pada aturan matematika yang diprogram oleh Cohen. Selama bertahun-tahun, dia terus meningkatkan AARON, mengajarinya menggambar dengan sapuan yang tidak tepat untuk meniru tangan manusia, mendeteksi bentuk dan menaunginya, dan bahkan menggambar secara fisik dengan bantuan alat yang disebut “kura-kura” yang berlari melewatinya. . kanvas membuat tanda. Sebuah karya seni dari tahun 1979 adalah karya abstraksi yang menyenangkan, mengingatkan pada gambar peta fantasi anak-anak. Cantik dan terlihat seperti rumah di dinding galeri. Cohen akan terus bermain-main dan berkolaborasi dengan AARON selama sisa hidupnya.
Sekarang adalah saat yang menegangkan pada pertemuan seni rupa dan teknologi mutakhir. Di satu sisi seniman menggunakan teknologi modern dengan efek yang semakin canggih dan menawan. Namun, pada saat yang sama, kecemasan terhadap teknologi tersebut semakin kuat dalam wacana artistik dan dalam karya seni itu sendiri. Jika ditinjau kembali, kisah Harold Cohen tampak seperti sebuah perumpamaan, sebuah kesempatan bagi seorang seniman untuk tidak menguasai atau takut terhadap teknologi invasif, namun untuk tumbuh bersamanya.
Kisahnya adalah salah satu dari banyak kisah yang kurang diketahui yang diceritakan dalam pameran baru Tate Modern. Impian listrik: seni dan teknologi sebelum Internet (dibuka pada tanggal 28 November), menyatukan karya lebih dari 70 seniman yang terinspirasi dan menciptakan seni dengan teknologi antara akhir Perang Dunia II dan awal mula Internet seperti yang kita kenal pada awal tahun 1990an. Ini mencakup periode yang sangat besar perkembangan teknologi yang mana, seperti yang dikatakan oleh kurator Val Ravaglia, komputer berevolusi dari ukuran seluruh ruangan menjadi sebuah kotak tersembunyi yang dapat diletakkan di atas atau di bawah meja. Para seniman yang memanfaatkan dan merespons perubahan sosial yang cepat ini memberikan preseden menarik bagi banyak perbincangan yang terjadi di dunia seni saat ini.
Motivasi utama pameran ini adalah untuk memberi penghormatan pada bagian sejarah seni yang sering diabaikan. Ketika gerakan-gerakan seperti seni pop dan minimalis mendapatkan daya tarik di arus utama, sekelompok seniman internasional yang berpikiran sama berkumpul di sekitar pusat Zagreb, di Kroasia saat ini, untuk berbagi karya yang terinspirasi oleh ide-ide ilmiah dan matematika. Mereka dikenal dengan nama rangkaian pamerannya, Tren Baru, yang menampilkan seni yang saat ini dapat diklasifikasikan sebagai seni kinetik atau optik; karya yang secara harafiah menggerakkan atau memberi ilusi gerak.
Kelompok ini menjadi pusat gravitasi bagi kolektif lain yang tertarik dengan gagasan serupa, seperti kelompok Jerman Zero, yang didirikan pada 1950-an oleh Heinz Mack dan Otto Piene, dan Arte Programmata dari Italia, yang terinspirasi oleh matematika dan memiliki pengikut di Umberto Eco., yang menulis katalog untuk pertunjukan pertama mereka. Pameran Tate juga menyoroti pameran Cybernetic Serendipity tahun 1968 yang berpengaruh di ICA London, pameran berskala besar pertama yang didedikasikan untuk komputer sebagai media dan inspirasi. Gambar dari pertunjukan menunjukkan patung bergerak, penyintesis video, dan a robot yang terlihat cukup kuno yang terlihat seperti Dalek di luar merek.
Seni yang terinspirasi oleh matematika terdengar dingin, keras, dan tidak dapat diakses. Namun, Ravaglia menjelaskan bahwa para seniman New Trends melihat karya mereka sebagai cara untuk membuat ide-ide ilmiah yang kompleks dapat dicerna, menarik, dan bahkan indah. “Anda tidak perlu memikirkan apa yang Anda lihat, hal itu akan menangkap Anda dan bertindak terlebih dahulu dalam sinapsis Anda,” katanya. “Pertama, Anda menikmati bentuknya dan kemudian sisanya.” Para seniman ini menjadi model bagi instalasi monumental berbasis data karya seniman seperti Refik Anadol dan Ryoki Ikeda, yang dipamerkan secara internasional saat ini.
Sebagian besar karya dalam pameran lebih dulu menyentuh indera. Ada salah satu “Mesin Pasir” karya David Medalla, yang menyeret manik-manik di atas sebidang pasir untuk menciptakan taman Zen yang selalu berubah, dan “Mesin Impian” karya Brion Gysin, sebuah lampu berputar yang menciptakan pola optik jika Anda melihatnya mata tertutup. . Patung “Puncak Persegi” karya Wen-Ying Tsai, yang menyerupai bidang jamur robotik yang anggun, bergelombang dengan lampu yang berubah frekuensi sebagai respons terhadap suara orang di dalam ruangan. Pengunjung didorong untuk berinteraksi dengan karya tersebut dengan bertepuk tangan, bernyanyi, atau memutar musik dengan suara keras.
Pameran ini menunjukkan bahwa para seniman telah lama menjadi pengguna awal teknologi baru, dan beberapa karya individu telah berulang kali berevolusi seiring kemajuan teknologi. Karya “Chromointerferent Environment” oleh seniman Venezuela Carlos Cruz-Diez mengubah galeri menjadi ilusi optik di mana garis-garis warna paralel berkedip secara psikedelik di dinding. Antara tahun 1974 dan 2009 ia berulang kali mengadaptasi karyanya menggunakan teknologi baru, beralih dari panel lukisan ke film, lalu ke video, dan akhirnya ke citra yang dihasilkan komputer dalam versi saat ini.
Seniman pada periode ini menawarkan beragam visi tentang masa depan teknologi yang kita jalani saat ini. Beberapa diantaranya berunjuk rasa di bawah panji utopianisme fiksi ilmiah, seperti yang dijelaskan dalam puisi Richard Brautigan tahun 1967 “All Watched by Loving Grace Machines,” di mana kita hidup di “padang rumput cybernetic/Tempat mamalia dan komputer/ mereka hidup bersama dalam pemrograman/harmoni bersama .” Yang lain lebih kritis. Beberapa seniman menulis tentang kesadaran mereka bahwa teknologi yang mereka gunakan pada awalnya dikembangkan untuk tujuan militer dan bersemangat untuk menggunakan kembali objek tersebut sebagai karya seni dan memisahkannya dari sejarah yang merusak ini.
Yang paling paham adalah Gustav Metzger, yang berbicara tentang potensi kerusakan lingkungan yang disebabkan oleh kemajuan teknologi, sebuah poin yang terasa sangat relevan saat ini ketika kita mulai bergulat dengan sumber daya energi dan air yang dikonsumsi oleh produk-produk seperti ChatGPT. “Metzger berbicara tentang bagaimana seniman harus berhati-hati dalam memanfaatkan teknologi dengan optimisme yang tak terkendali,” kata Ravaglia. “Bagi mereka, penting untuk menjadi bagian dari perbincangan, mengarahkan teknologi ke arah nilai-nilai yang lebih humanis dan tidak menjadi boneka di tangan industri teknologi yang ingin memanfaatkan seniman untuk memamerkan produknya.”
Beberapa teknologi kuno dalam pameran ini mungkin tampak kuno saat ini, namun banyak dari temanya membahas percakapan kontemporer mendesak yang dihadapi para seniman. “Misalnya, saat ini ada yang percaya bahwa AI generatif akan menggantikan kreativitas, dan akan membunuh seni,” kata Ravaglia, “tetapi dalam karya-karya ini kami melihat bahwa penerapan AI untuk menciptakan karya seni memiliki sejarah. “Ada banyak contoh seniman di masa lalu yang telah berkolaborasi dengan AI, dan tidak membiarkan mereka mengambil kendali dan mempertahankan kemampuannya dalam menciptakan gambar.”
Harold Cohen adalah contohnya. Lanjutnya, hingga kematiannya pada tahun 2016, ia menyempurnakan AI gambar AARON, kemudian memprogramnya agar dapat menggambar gambar figuratif seperti manusia dan tumbuhan, dan terakhir memungkinkannya mewarnai gambarnya sendiri. “Di sinilah dia berkata: Saya tidak terlalu menyukai ini. Dimana pendapatku? kata Ravaglia. Cohen suka mewarnai karyanya sendiri, jadi dia memutuskan untuk menghilangkan kemampuan AARON untuk melakukannya, untuk memastikan karyanya tetap menjadi kolaborasi yang tetap memberinya kesenangan. Dia ingin memastikan, sampai akhir, bahwa artisnya tetap ada dalam fotonya.
28 November hingga 1 Juni, tate.org.uk
